« Une dernière brassée de lettres » de Claude Luezior

Poète, nouvelliste, romancier, auteur de livres d’art aussi, ayant une oeuvre considérable, recompensée de nombreux prix et distinctions dont le Prix de poésie de l’Académie Française et Chevalier dans l’ordre des Arts et des Lettres, Claude Luezior est avant tout un humaniste qui dénonce les iniquités sociales, les misères de la vie, l’indifférence face aux malheurs des autres.

Il use de tous les genres pour parler avec compassion des maux et des malheureux de la société, y compris la lettre comme dans Une dernière brassée de lettres (Paris, Éditions tituli, 2016). Il en imagine trente-deux pour surprendre des milieux sociaux très différents, d’un oeil perçant et ironique, habitué à observer et à diagnostiquer. Il met son livre sous le chapeau d’une assertion de Confucius : « Lorsque les mots perdent leur sens, les hommes perdent leur liberté. »

Claude Luezior se sert des mots pour éveiller les consciences, faire connaître la vérité cachée derrière les apparences, il devient la voix de ceux que l’on n’entend pas. Il sait donner sens à ses mots pour peindre le mal social, les misères de l’existence qu’il voit partout. Il n’a que les mots pour affronter la mort : « Se révolter. Être rebelle, passeur, pionnier. Apprivoiser l’héritage du désespoir. Bruire : faire entendre un murmure confus. Je murmure, je crie, je scie ma partition telle une cigale amoureuse. Je cisèle mes stridences, taille ma plume, affûte l’encre des heures qui butinent ma chair. »

Il lève un pan de voile du réel tel un coup de vent pour y jeter un coup d’œil compatissant, ironique, déçu, révolté. Il tisse ses phrases légèrement comme dans un jeu de mots pour piquer, persifler, faire sortir la vérité à la surface. Rien que pour nous rendre conscients des affres de la vie, de l’indifférence envers les malheureux dans un dialogue imaginaire avec soi-même et un autre à l’écoute de sa révolte.

L’auteur s’imagine parler aux interlocuteurs différents, hommes ou objets, liés par la dépendance, selon le milieu qu’il ironise avec subtilité : docteur, infirmier, homme de loi, architecte, styliste, politicien, ordinateur, télévision, masque, livre, Histoire, poésie, regard, cimetière, porte, fantôme.

Certaines lettres sont poétiques : Lettre à l’Absence, Lettre à Regards, Lettre à Orage. D’autres laissent les souvenirs tendres de l’adolescence se déposer sur les pages, alors que l’écriture tourne à la confession : Lettre à ma Cousine, Lettre Maison de famille.

Dans sa première lettre, l’écrivain pénètre dans le domaine médical pour dévoiler avec compassion et ironie le vrai visage de ce monde. Son destinataire est le tu générique, l’interlocuteur qui permet au locuteur de communiquer ses réflexions amères sur les prisonniers des maisons de retraite et nous faire comprendre la vieillesse, ses risques, la solitude, la dépendance, le verdict médical qui prive de liberté, à cause de l’impuissance physique ou de la maladie, malgré la lucidité de la sénescence : « Tu l’as mise en chaise, alors qu’elle pouvait encore marcher. D’allure secourable, le verdict fut la prison à perpétuité. Il fallait surtout relever le score de dépendance, question subsides et comptes de fin d’année ».

La lettre suivante s’attaque à l’internet, le « Roi » de la postmodernité qui réclame soumission totale à ses esclaves, image d’une société alliée, totalement contrôlée par un cerveau artificiel où tout naturel est anéanti : « Je suis devenu ton esclave consentant, car ne pas te vénérer est abjuration de la modernité. Ne pas payer sa dîme au roi Internet est une manière de fraude intellectuelle. Pire ! C’est trahir le credo de notre société post-moderne, c’est nier le progrès qui sauve ».

L’auteur s’interroge sur la souffrance aux multiples visages,  celle de la mère d’un enfant handicapé aussi. Il est touché par son amour maternel, sa dévotion, son courage et son espoir. Face à la loi impitoyable, il la voudrait plus humaine. Il stigmatise la culture qu’il voudrait plus présente sur les chaînes de télévision, occupées par des émissions mineures, acculturelles.

L’Histoire, sa gloire morbide, le fanatisme du pouvoir ne cesseront-ils de fasciner sans tirer aucune leçon de ses horreurs ? « Tout empire rime avec délire ; derrière la gloire il faut voir les guerres et ses carnages », nous rappelle Claude Luezior.

Face à la barbarie, aux théories avec leur orgueil de tout déchiffrer, y compris l’insondable du Soi, l’univers onirique pris en charge par la psychanalyse, le Rêve poétique ne serait-il pas aussi illusoire que la gloire des « masques du pouvoir » ?

Et cependant c’est par le langage poétique que l’on résiste au quotidien ; on s’en échappe par sa catharsis pour accéder au spirituel :  « L’art en Poésie se situe surtout dans la rencontre amoureuse des mots, dans l’éclosion d’images, dans ce ventre gravide entre conscient et subconscient, dans cet espace à la limite des rêves où la plume instinctive déchiffre la source des dieux. Éclosion à la faille des phrases, au-delà des discours véhiculaires du quotidien. »Véritable ars poetica que l’on retrouve dans la  Lettre à Casimir : « La littérature est art de la langue. Écrire, c’est être à la faille des mots, là où se crée l’étincelle, l’image nouvelle. C’est être à l’écoute de leurs synapses. C’est malaxer le verbe, c’est rechercher, à l’interface de son conscient et de son  inconscient,  la part de Dieu (Gide), cette chose a priori indicible mais qui s’écoule par magie dans le fût d’une plume. […] Le poète est une manière de prêtre au langage sacré».

Une très belle lettre s’adresse aussi aux poètes, invités à quitter leur tour d’ivoire pour s’engager dans le social, faire de leurs plumes des armes  pour témoigner, dénoncer, se révolter, combattre : « La poésie n’est pas langue morte. Elle ne cesse de vivre au pays de Canaan. Mais pour cela, Poète, quitte ta tour d’ivoire : ensemble, il faut marcher ! ».

Claude Luezior s’interroge sur tant d’aspects de la vie, y compris sa vie d’écrivain, son lien affectif avec sa création, la solitude des livres qui s’empilent sans avoir bien des fois à qui parler, « éloquences dans les remous d’une marée livresque, d’un océan médiatique. »

Le masque ne pourrait manquer à son discours, car tout le monde  en porte : « greffe omniprésente à nos gestes quotidiens : jeux de dominance et de soumission. » L’auteur s’insurge aussi contre l’administration avec sa paperasse qui ignore l’homme réel, devenu page de statistique.

J’aime bien les lettres de Claude Luezior, ses réflexions qui dénoncent, ses piqures linguistiques où respirent la lucidité de l’humaniste et le  souffle poétique, sa sensibilité, les références intertextuelles de l’écrivain raffiné par la culture.

 

Claude Luezior, Une dernière brassée de lettres, Paris, Ed. Tituli, 2020.

« Tropiques » suivi de « Miserere » : un recueil de Michel Herland

C’était à Nouméa, au bord du lagon, dans un piano-bar.

Chaque mercredi soir s’y tenait une séance de notre club de lecture, où le micro était ouvert à toutes les voix désireuses de faire vibrer un texte, à tous les horizons de la littérature, et singulièrement de la poésie.

Nous n’y avons sans doute pas lu les premières pages de Salambô, dans cette atmosphère feutrée, si peu compassée, où les voix des intervenants inclinaient moins à convoquer le tonitruant Gustave, qu’une foule d’écrivains plus confidentiels du monde entier.

J’y vis Michel Herland pour la première fois ; sa discrétion courtoise, cordiale, généreuse, dissimulait mal l’intérêt formidable qu’il portait à la littérature, et plus précisément à la poésie, et qui a fondé en toute simplicité, et renforcé au fil du temps, notre amitié.

Aujourd’hui, présentés d’emblée en une édition bilingue, où la langue roumaine en regard, chaude de sa latinité, ne pourra que les servir suavement, ce sont des poèmes essentiellement érotiques qu’il nous offre.

Les voici donc sous vos yeux, livrés avec une sorte de désinvolture contrainte, provocante parfois, jusqu’à l’obscène ou l’argotique, dont une contraction syntaxique, par endroits, semble venir rectifier l’abandon. L’exaspération du désir y est volontiers d’une leste crudité, mais également distancée d’accents courtois, comme des clins d’œil adressés à un fin amor oublié, ou des retours à une équité de registres, comme des rappels surannés que tout amour est aussi une distance, une mesure extensible du temps, un égard pris pour l’autre.

Ainsi, devant la « Lagune d’écrasé soleil », l’érotique, glissé dans l’exotique par sa lettre distinctive même, y fait de ludiques oscillations du tu au vous, aussi bien que de pudiques écarts au elle de l’idéal atteint comme du dépit amoureux toujours craint.

Dans des strophes tentées par le sonnet, les vers sont souvent frappés, formellement durcis, et craquant sous la dent ; ailleurs au contraire les voilà mâchonnés, ensalivés en quelque manducation prosodique (quand l’élision du e muet par exemple, à la césure ou dans les hémistiches, se heurte à la coque de la consonne qui suit), et le lecteur peut les entendre alors comme autant d’espiègles phrasés.  L’humour et la dérision, tour à tour, se frôlent, se frottent.

On devine qu’il s’agit là, en quelque sorte, dans ces textes se jouant d’eux-mêmes, de compenser un peu, en sous-main, la tenace et touchante nostalgie qu’on y sent monter de l’amour.

Le spleen, ou selon le mot roumain, le dor (tout aussi difficile à traduire en français, dit-on, que le spleen baudelairien) est là en tant qu’épaisseur tangible, en tant que double peau sous la caresse. Michel Herland confirme bien qu’en matière d’amour, les poèmes qui nous touchent sont, par une agréable réciprocité, autant à lire qu’à toucher.

Plus loin, mais à peine, si brutalement à proximité, ce sont les misères du monde, les révulsantes notations du sordide, les énumérations de la douleur, du désespoir.

Parce que, si rien n’est plus fragile, plus déchirable que la peau, plus éphémère que la caresse, rien ne semble aussi plus durablement encrassé en l’homme que la violence triste de sa condition.

 

Michel Herland, Tropiques suivi de Miserere – Tropice urmat de Miserere, édition bilingue, traduction en roumain de Sonia Elvireanu, Iasi, Ars Longa, 2020, 134 p.

 

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PS / Tropiques suivi de Miserere – Tropice urmat de Miserere, est en vente chez l’auteur au prix de 10 € + frais de port. Ecrire à l’adresse suivante :

herland-livres@laposte.net

Le recueil Haïkus – Martinique (poèmes et photographies), Fort-de-France, K-Editions, 128 p. est également disponible chez l’auteur au prix de 15 € + frais de port. Ecrire à la même adresse.

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A la Martinique, ces deux ouvrages peuvent aussi être acquis à la librairie Le Papillon bleu à Fort-de-France.

Instants / instantanés : les « Haïkus Martinique » de Michel Herland

 

“Vers l’Est ou Dans l’ornière du temps” de Denis Emorine

Une identité trouble, vacillante

Poète, romancier, nouvelliste, dramaturge français contemporain, essayiste, traduit en plusieurs langues, Denis Emorine ne cesse d’interroger son identité éclatée dans toute son oeuvre. Une identité brisée entre l’Est où il retrouve ses racines slaves du côté de son père, et l’Ouest, qui l’enracine dans l’amour de sa mère, recherchée à travers les femmes rencontrées dans sa vie. Il la ressent comme une blessure que rien ne pourrait cicatriser, ni même l’amour d’une femme choisie pour la vie. Son recueil bilingue Vers l’Est ou Dans l’ornière du temps/ Verso l’Est o nel solco del tempo, traduit en italien par Giuliano Ladolfi, en témoigne : « Où que j’aille/ j’emporte avec moi/ une identité trouble/ vacillante/ chaque moment de bonheur est traversé par la mort ».

La mémoire tourmentée par les souvenirs d’un passé tragique l’accable et entrave son bonheur. Il le porte dans son sang comme un mal  qui nourrit la douleur et l’obsession de la mort. Le regard tourné vers l’Est, d’où viennent les barbelés, les camps de la mort, le poète ne saurait s’en libérer, car il a marqué à jamais la vie de ses parents et la sienne.

La mort et l’amour sont inséparables dans ses poèmes. Il les a connus depuis l’enfance. L’amour le plus profond est troublé par le frisson de la mort. Un cri de rage contre celle qui lui a enlevé les êtres les plus chers, et un autre de secours lancé à la femme aimée, voilà le fil rouge du recueil.

À l’Est c’est la mort qui lui fait peur, le tracasse, l’épuise. Il y voit le flot rouge du sang des victimes, l’amour déchiré par la guerre, les yeux bleus de sa mère et ses bras protecteurs, comme une hallucination.  Sa voix se fait celle de la douleur que l’on ne peut pas partager.

Il y a deux femmes dans la vie du poète : la mère et l’aimée. La première, il ne réussit pas à l’effacer de sa mémoire, ni la mort, ni la douleur de sa perte ; l’autre, c’est son seul appui, le refuge contre l’obsession de la mort qui empoisonne son bonheur. Mais c’est en vain qu’il s’agrippe à l’amour, rien ne peut le détourner de ses démons intérieurs.

Le passé, c’est l’enfer de la mort, le présent la blessure sans cesse ouverte par le souvenir d’une histoire tragique qui fait saigner le coeur de l’adulte. L’image de sa mère, jeune femme brune aux yeux bleus, le hante. Il se revoit petit garçon, égaré, « enfant tragique », à la recherche de l’amour de celle qu’il a perdue : « Il y aura des cendres dans ma tête/ mais toi/ oui/ Toi/ tu resplendiras toujours ». Son souvenir l’empêche de jouir d’un amour partagé pour l’éternité : « Depuis si longtemps/ les barbelés nous séparent/ il y aura toujours un fusil braqué sur toi ».

Sans le vouloir, il chemine vers l’Est par sa quête identitaire. Il retrouve ses racines slaves, il s’attache aux poètes russes, les rejoint dans la douleur. En même temps il implore son amour, cherche l’oubli, conscient cependant que celui-ci ne peut rien contre la mort : « Tu cherches l’oubli/ qui ne viendra plus jamais. »

Harcelé entre un passé douloureux et un présent plus heureux, embrouillé dans ces souvenirs, le poète ne trouve nulle part une consolation. Il porte en lui la mort comme une malédiction qui vient de l’Est.

Ce livre bilingue, fruit du travail de deux auteurs dont les sensibilités résonnent, nous fait découvrir une poésie grave, déchirante, d’une rare harmonie intérieure, et la musique des deux langues, français et italien.

 

Denis Emorine, Vers l’Est ou Dans l’ornière du temps/ Verso l’Est o nel solco del tempo, Giuliano Ladolfi editore, 2021. Traduction en italien par Giuliano Ladolfi, Préface d’Isabelle Poncet-Rimaud, 128 p., 12 euros.

 

 

 

 

 

Ensoleillements au coeur du silence (extraits)

 Envie

parfois j’ai envie de poésie,comme si je n’écrivais pas de poésie,

j’ai l’impression d’être dans l’attente
du mystère qu’elle porte en soi,
avec son pouvoir de te prendre aux tréfonds
pour te faire sentir la vie,

la vie aux mille visages,
s’émerveillant de ses mots,
de ton image en miroir
dans tes rencontres le monde,

il te semble que c’est alors que tu vis,

dans ce jeu fascinant de paroles
qui roulent sans cesse
toi et le monde,
et tous ceux qui ont existé et existeront,

comme un vieux chant
venu de très loin ou de tout près
te reconnais-tu dans le miroir
ou est-ce un autre ?

parfois j’ai envie de poésie,
comme si je n’avais  jamais écrit un seul vers,

je me cherche à travers elle,
comme on espère
l’eau miraculeuse
de la guérison,

avec chaque mot vient vers moi
le murmure d’un secret à peine perceptible
et l’étrange certitude que je suis autre chose,
et ceux que j’aime, j’aimerais leur dire :

Arrêtez-vous un instant,
écoutez le susurement de mon eau,
buvez-la avec moi,

laissez-la guérir vos blessures,
faites de l’arc-en-ciel la ceinture
qui relie au ciel la miraculeuse argile,

n’épuisez plus votre corps qui sent la douleur,
le plaisir, les tentations,
à le connaître vous pouvez le comprendre,

vous aimerez  la lumière,
vous serez à même de l’élever en vous,

l’eau de la guérison coule en chacun,
et l’envie d’être la poésie,

parfois j’ai envie de poésie,
comme si je n’écrivais pas de poésie,

c’est quand je commence à sentir la vie,
que je suis le poème que j’écris.

 

Faire parler le silence 

Je t’écris
où toutes les choses parlent
dans une langue pure,
en septembre,
dans la clarté qui caresse mon feuillage

parler c’est lumière,
l’infini y coule et s’éclaire,
les mondes que l’on ne voit pas,
le miracle où tu grandis chaque jour
telles les feuilles nourrries  d’eau et de soleil,

aux tréfonds
frémit ton silence,
l’argile au lit de la rivière
aux bords verts et à l’eau vive,

des jardins de silence en moi,
des torrents d’eaux prêts à parler
traversent la prairie que j’aimerais
toucher des semelles de l’amour
qui articule mon silence.

 

Les flâneries de Sappho

la sandale de Sappho
flâne à l’aube sur les sentiers,

cueille sur la semelle la rosée,
la pourpre des pavots,

les herbes bruissantes,
le souffle des vents,

l’eau des sources
et les sorts,

elle fait valser ses lacets de soie
dans les cheveux des ondines,

tels les susurrements de l’envie
sous les bras des nymphes,

ses traces, des ondoiements diaphanes
et des feux sur l’eau.

 

Le bleu

tant de bleu,

le ciel et la mer
moussent le silence,

bord de perle
sur le sable,

sentier blanc sur l’eau,
ligne de  craie

sur les traces de la solitude,
de la mélancolie,

les pas esseulés s’effacent
dans l’oeil du sable,

les chevilles fouillent la mer
sur le sentier de mousse. 

 

Le masque au visage devant la mer

étrange journée
lorqu’un fourbe masque
te sépare du souffle de la mer,

de la brise, de l’air, du vent,
de l’odeur de pierre
contre laquelle s’appuie le rêve,

du bleu ondulé
jusqu’à l’horizon
telle une montagne,

étrange figuration
de l’interdiction de respirer
avec la mer, le vent,

pétrifié en silence
sur la muraille ébréchée,
tel un malade,

seul,
face à face
avec la crainte et le vol,

avec le goéland,
le ciel
et la mer.

 

Par Sonia Elvireanu, , publié le 21/12/2020 | Comments (4)
Dans: Pratiques Poétiques | Format:

« La noyée d’Onagawa » de Marilyne Bertoncini

La noyée d’Onagawa nous renvoie par son titre vers le drame. Et c’est bien un livre troublant inspiré par le réel le plus dramatique, une catastrophe naturelle : le tsunami qui a ébranlé les côtes japonaises du Pacifique en mars 2011. Onagawa, petit port de pêche, à 400 kilomètres de Tokyo, a été d’un coup englouti par les eaux déchaînées de l’océan.

Pour évoquer en poésie ce cauchemar, la poète doit mettre en oeuvre son talent poétique, une profonde sensibilité et un imaginaire de l’eau à même de nous faire ressentir la force terrible de la nature indomptable. Cette tragédie collective, relatée à l’époque par la presse partout au monde, aura suffisamment impressionné l’auteure pour qu’elle jaillisse après des années dans  son long poème épique La noyée d’Onagawa.

Ainsi le recueil est-il fait d’une suite de poèmes enchaînés à la manière des séquences de cinéma où la poète reprend les événements dramatiques racontés dans une dépêche. Elle appelle rêverie poétique ce poème narratif tel un fleuve, qui refait le film du séisme.

Marilyne Bertoncini poétise avec art un fait divers terrible et nous fait réfléchir aux désastres qui menacent l’homme dans son rapport avec la Nature. Un lyrisme délicat dans l’évocation du paysage d’avant la tragédie,  rappelant la grâce des estampes japonaises, se mêle au dramatisme du récit.On aime les paysages crayonnés par l’œil contemplatif, presque atemporels, en fort contraste avec les images effrayantes de l’océan déchaîné par le tsunami.

La poète crée un préambule à l’événement tragique, présenté graduellement, avec la lenteur d’une caméra promenée sur la côte japonaise pour surprendre l’atmosphère calme, de fin d’hiver, d’avant la floraison des cerisiers japonais.

Elle s’imagine la beauté sereine du paysage marin qui entoure Onagawa, la baie au creux d’une vallée bordée de collines escarpées, la rumeur étouffée de la ville, son rythme, l’atmosphère moelleuse de la journée. Les images se déroulent de l’arrière-plan vers le premier plan, comme dans un film.

Puis, d’un coup, la poète inscrit ce paysage dans le temps historique avec la précision d’une horloge comme pour graver la date de la Catastrophe dans la mémoire du lecteur : vendredi, le 11 mars, 14 heures, 46 ‘, 23 secondes locales, 2011.

Avant d’évoquer le désastre, elle retourne en arrière dans son temps, se rappelle la même journée à l’autre bout du monde, en France, pendant son voyage en train le long de la côte : le ciel sombre, nuageux, en couleurs changeantes, picturales, le vol d’un goéland. Puis elle revient sur Onagawa, évoque l’océan enragé, ses eaux orageuses, les immenses vagues de vingt mètres qui ravagent la côte, engloutissant hommes et maisons.

Le rythme du poème change suivant les faits racontés, la tension monte, devient insupportable, car la catastrophe est à son comble. La mort avale les gens avant qu’ils ne puissent avertir du danger leurs proches. L’océan ressemble au monstre mythique en colère qui détruit tout, c’est l’apocalypse qui déchire le calme d’avant.

La tragédie est là : toute une ville noyée dans les eaux, un vaste cimetière marin. Sur cette toile épouvantable de la mort, la poète peint le drame tout aussi troublant d’un couple japonais : la femme est balayée du toit d’une banque par une immense vague et noyée dans l’océan. Son message de terreur est retrouvé sur son portable après le drame.

Le rythme de l’évocation ne soulage point le lecteur, car une autre voix se fait entendre, celle du survivant, le mari de la noyée qui raconte au journaliste sa douleur muette, un autre drame: solitude, absence, vide, culpabilité face à l’impuissance de sauver sa femme. Poussé à sa quête par le désespoir, il fait des plongées sous-marines, fouille le Pacifique gorgé de cadavres et finit par y trouver la mort, un Orphée à la recherche de son Eurydice.

Marilyne Bertoncini refait la toile de la tragédie à la manière d’un peintre, son pinceau a la force de faire sentir le désastre. Elle donne aux vers une cadence accélérée, l’apparence de l’haleine d’un homme qui va du calme au terrifiant et aux images des couleurs apocalyptiques :

« Au large  d’immenses tourbillons /vertigineux vortex comme des puits sans fond / au cœur du Pacifique, /folles galaxies entraînant la nappe océane /et tout ce qu’elle porte /dans la béance noire / du monde. / La terre frénétique crachait le feu / et deux vagues accouplées, têtes dressées, bouches d’ogresses /se précipitèrent sur la côte pour arracher, vies, arbres, / maisons »

Hokusai – La grande vague de Kanagawa

La poète se fait alors la voix de la douleur muette pour évoquer la vie et la mort, la solitude et l’amour, autant de thèmes éternels. L’authentique de l’événement se mêle au poétique, la douceur à la cruauté, la sérénité de la vie à la terreur de la mort.

La rêverie poétique s’avère une poignante évocation d’un événement imprévu qui bouleverse d’un coup le destin des gens, basculés dans la tragédie. Elle fait réfléchir aux relations homme-Nature, de couple, à la vie menacée à chaque instant par la mort.

Un penchant vers les mythes et les paysages maritimes se fait sentir dans ce beau et émouvant poème épique comme d’ailleurs dans toute la poésie de Marilyne Bertoncini. Elle renvoie au mythe d’Orphée le drame du couple japonais et continue de s’interroger par le mythe sur la condition humaine, comme le remarque si bien Xavier Bordes dans sa superbe préface. Le critique y voit une parabole, « une représentation symbolique globale, planétaire, en notre siècle de désastres divers et de bouleversements climatiques. «

 

Marilyne Bertoncini, La noyée d’Onagawa, Jacques André éditeur, 2020, coll. Poésie XXI, 51 p.

 

 

« Le Souffle du ciel » de Sonia Elvireanu

Les portes du dire s’entrouvrent sur une évocation discrète, pudique de la vie : Parmi des herbes, des bleuets et des pavots / les caresses de l’été dans la plaine brûlante, hymne panthéiste à la nature : des nénuphars fleurissent dans mes cheveux. Au-delà du silence pulse une présence lointaine, évanescente mais tellement présente, qui se tient au bord des falaises vertigineuses de l’absence : il nous reste la rupture, l’immobilité, la douleur / il nous reste le silence.

Appuyée sur une digue de feu, la Poétesse, Orante d’une liturgie, laisse ses pas s’éloigner : nous sommes les cicatrices. Les mots en fusion, sang du vent, cantiques d’éclairs, tressent des fruits de haute mer, ils s’enroulent, épines et pétales : les paroles  cherchent leur chemin jusqu’à nous.

Mots équinoxes, secrets, mordants, traces, les ombres au goût de sel se mêlent, s’entrecroisent dans les levers d’aube silencieux et les frimas de la nuit alors que le sang flagelle encore le corps : je flâne sans cesse égarée / sur le chemin d’hier.

Les élans silencieux de Sonia Elvireanu, il faut les humer, caresser leurs encolures. Ils tissent l’absence : Je t’ai cherché, tu n’étais nulle part. La mélancolie va l’amble avec son cortège de houles et de retraits, de regrets et de tempêtes : je suis une ronce dans la plaine. Interstices dans le silence : le lever et le coucher du soleil / se brisent dans mes mains vides.

Les mots–larmes, derrière les paupières, partent sur les rives de la solitude, présence du dire, force du manque, il faut toujours se baisser pour passer les écluses qui se déversent dans les estuaires nocturnes : cette nuit, je cherche un abri.

Malgré la grisaille du silence, de l’absence, ce recueil est un verre de lumière à boire à petites gorgées, ce sont des images sur la peau des plantes, des ébauches de roulis et d’écume qui viennent mourir sur  l’aube, ce sont des vagues intérieures. Torrentueuses, elles ont le parfum de l’aimé si lointain et pourtant si proche : et par-dessus le monde / Ton sourire.

La Poétesse, grande veneuse, lâche ses chiens, la vie est aux abois. Le grand cerf ne meurt qu’une fois dans la forêt des souvenirs  : saignement du vivant.

Oratorio de fugues pour des lèvres en bréviaire qui psalmodient de secrètes oraisons : une croix allumée dans la main.

Les phrases passent entre les ronces pour ne retenir que le pollen déposé par l’abeille qui a butiné. Le désir est toujours là, pudique, il tenaille les mots pour se perdre dans le souffle du ciel, la vie se nourrit d’interrogations, d’attende.

L’auteur, à l’image de Jean Orizet, est pèlerin de l’indicible, témoin de l’ineffable.

Avec ardeur les pulpes sont fécondées, les sucs du regret se transmuent. Germent les élans, subtile et discrète prière, nuages vers l’au-delà,  vers la Transcendance. En effet, ce recueil pourrait-être un livre d’heures que l’on tient avec recueillement, c’est une prière intime celle que l’on murmure dans les fentes et les cicatrices du cɶur, dans les pulsations d’aubes noires. Ce sont parfois des psaumes que retiennent les nuages, avant de se mêler à la musique des sphères dont l’auteur conserve les accords au plus profond de son âme : Dieu donne de la sérénité / à ma pensée / pour que sa limpidité / ne tombe / nulle part en chemin.

Sonia Elvireanu nous livre discrètement sa respiration. En la partageant, le lecteur chevauche l’océan, mange les étoiles, les vagues, les fleurs, se brûle aux éclats d’un soleil noir, s’éclaire aux ténèbres, retient le début et la fin du cri de l’oiselle.

Dans le précaire équilibre du crépuscule, entre sève, braises et songes les ombres sanguinaires descendent l’escalier des impatiences, offrandes pour les âmes perdues.

C’est l’heure où la lumière est à deux pas de l’Invisible. Comme Bonnefoy, l’auteur charge ses rêves dans la barque. Pour quel voyage ?

C’est un feu de brousse, une flamme vêtue de bure, une braise dans la cendre, la brûlure du soir sur la sinuosité des souvenirs. Les ombres ne repartent jamais seules et Sonia Elvireanu le sait. Lorsque le manque érode l’écho gémissant, l’auteur le ramène au gîte dans une brûlante et discrète andante qui enserre l’espace balayé par le lin de tous les vents.

Mais que sont les souvenirs devenus ? Ils caressent et mordent : rencontrent-ils leurs corps ? 

Dualité du manque, à travers les branches d’olivier : la seule voie vers toi : l’amour.

Superbe recueil, à lire comme un livre d’heures, prière à réciter pour que nous soyons vivants tels le pain et les poissons / offerts par Jésus aux Siens, alors, demain, peut-être / mon heure fleurira / au bord de la vie assoiffée de toi.

L’auteur, paumes offertes à l’Invisible, recueille un souffle de ciel, un souffle d’amour.

 

Sonia Elvireanu, Le Souffle du ciel, L’Harmattan, Paris, octobre 2019.

« Argam » de Gérard le Goff

Roman complexe, Argam, de Gérard le Goff fait plonger le lecteur dans un univers étrange, à la limite du réel, puis glisse carrément dans l’irréel : il y a plusieurs romans dans ce roman dense et excitant, qui comporte des intrigues multiples, des descriptions détaillées à la manière de Balzac. Le livre rappelle le roman gothique par son côté fantastique, ses procédés narratifs, les décors et certains personnages.

La trame principale est difficile à démêler, l’intérêt de l’auteur semble focalisé sur un cas de psychiatrie, territoire incertain s’il en est. Entrer dans l’esprit d’un aliéné risque en effet d’avoir des conséquences fatales pour ceux qui s’y hasardent, à l’instar des personnages du livre. Ce qui n’empêche pas que ce dernier soit aussi un roman d’aventures, un polar et un récit fantastique.

L’auteur construit d’abord un récit à la première personne qui gravite autour de quelques personnages bien insérés dans la vie sociale, un avocat et un psychiatre, deux amis.

Il introduit ensuite son deuxième récit : un manuscrit trouvé par la police et confié au psychiatre Samuel Berstein. Le narrateur inconnu raconte une étrange histoire qui se serait déroulée dans le manoir abandonné d’une diva du XXème siècle, adulée pour sa voix et sa beauté.

Le troisième récit est un roman policier, une enquête sur la disparition d’un aliéné dangereux. Le quatrième, la biographie de la diva, s’imbrique aux autres. Le cinquième, celui d’un ami mystérieusement disparu de l’avocat Osborne Dans l’épilogue, l’aliéné se raconte lui-même sur des feuilles griffonnées.

Le romancier maîtrise à merveille le fil de ses multiples récits, il maintient la curiosité du lecteur jusqu’à une fin ouverte à de multiples interprétations

L’architecture du roman demeure rigoureuse : les titres des chapitres numérotés nous avertissent de ce qui va suivre, évitant au lecteur de s’égarer entre les multiples récits.

Le décor s’adapte aux diverses situations, réelles ou imaginaires. Les quatre personnages a priori raisonnables – les deux amis, plus le libraire et le savant – sont emportés par leur curiosité et l’esprit d’aventure et finissent par plonger dans le fantastique.

La quête du mystérieux domaine et de la fête des masques racontée dans le manuscrit pourrait évoquer Le Grand Meaulnes d’Alain Fournier.

Les images délirantes du parc et de l’intérieur du manoir de la presqu’île contrastent avec les détails du quotidien. L’imagination de l’auteur finit par instaurer un effet quasiment hallucinatoire.

Le romancier, narrateur omniscient, n’ignore rien des sentiments et des émotions de ses personnages. Les explications médicales du psychiatre se révèlent à cet égard particulièrement instructives.

La fin laisse au lecteur le soin de juger la part du réel et de l’irréel dans le roman. L’identité de l’aliéné enfermé à l’hôpital psychiatrique demeure mystérieuse jusqu’au bout : de quel autre personnage cache-t-il le nom ?

 

Gérard le Goff, Argam, Éditions Cloé des Lys, 2019, 237 p., 24,90 euros.

 

 

 

 

« Le Chant de la mer à l’ombre du Héron cendré » de Sonia Elviranu

Sonia Elviranu, Le chant de la mer à l’ombre du héron cendré, L’Harmattan, 2020, 128 p., 14,50 €.

Après le Souffle du ciel, j’ai suivi Sonia Elvireanu dans son retour au pays d’avant les mots.
Le temps renversé dans ses bras, la vie et la mort.
Paysages bercés par le murmure de la mer, comme la vie du silence d’avant la naissance.

Dès le départ, la mer et les rêves nous enveloppent.

Au loin,
le héron cendré, …

Le ciel
glisse
sa lumière
dans ses ailes.

Le retour au silence, au désert, voit naître le premier jour.

Le lever du soleil ,
sur les tempes
du monde,
un souffle
de merveilles 

Au creux de la mer,
Le héron cendré accroche ses ailes 

L’ile de la rêveuse offre  la rencontre

un cygne solitaire se tait

Au bord de l’eau
j’apprivoise les lointains … J’écoute

La solitude,
… le brouillard …
la mer,
la nuit

Quelqu’un cherche sa voie.
Quelqu’un se cherche,
Apparemment, nous n’avons pas quitté ce temps renversé  d’avant la naissance.

Un cri dans la nuit
Un papillon jaune
tourne en rêve
dans le ciel

Au creux de la mer …
Le jour pend au soleil, la nuit à la lune, noue l’un à l’autre,
Comme pend la goutte de rosée à la feuille.

Fragile, le cordon littéral de l’un à l’autre, l’amour, l’Etre aimé !

La vie
que tu cherches

Au fil d’eau,
l’oubli …

Avec l’oscillation intérieure, le temps du  doute apparaît

Le cri muet
du corps ensablé 

 …  Je n’erre plus,
Au plus profond de mon nid,
je berce ma lumière 

Les mots ont la force de la renaissance secrète :

L’éclat
d’un fil
de lumière
dans le labyrinthe
de
la nuit »

L’écriture donne à imaginer l’univers poétique de l’auteur, qui vient de s’ouvrir,

…  loin des illusions
du monde
tel des fous,
dans les senteurs des champs,
enfants de la lumière,
nous galopons le ciel dans les bras

 Quand vient le temps des questionnements, la confiance est la plus forte.

Ce qui reste sans réponse a le droit d’exister.

 n’empoussière pas ta lumière,
que son éclat dans ta nuit
demeure,
tu finiras par comprendre son mystère 

La solitude ne l’effraie pas, elle demande :

Prie
pour moi,
que je ne sois pas
désert,
mais lointaine
oasis.

Ombre et lumière peuvent s’affronter, le poème résiste.

Au creux
de tes mains,
le ciel creuse
des sillons profonds,
délace la lumière du poème,
de ses voiles sombres.

Elle connaît les détours de l’ombre, sa main semble nous alerter :

Ne laisse pas l’ombre
te déchirer,
tiens-la serrée,
et pèse
ses marées.

Elle connaît le silence de la terre, et son langage :

Allégée
de
ses souffrances,
la terre fait fleurir
étrangement,
ses pommiers 

Lorsqu’elle évoque la nuit, elle voit des sources nouvelles à sa rencontre :

La nuit
dort
sur les paupières,
apportant
les rêves
d’autres rivages 

Ne chasse pas
les mots
qui ne peuvent pas
témoigner de la souffrance,
leurs traces resteront
dans le sable de l’être 

Ce qui semble impossible à dire de la souffrance, elle nous invite à en retenir les traces.

Il neige,
sur les regards
éteints,
par l’attente
là-bas,
au loin,
La Sibérie gelée
sombre dans l’oubli.

Ici, les mots du poète ne donnent pas seulement l’émotion, ils sauvent de l’OUBLI.

L’âme de Sonia Elvireanu ne craint pas de se projeter vers l’avenir :

…  l’aube glissera
sa clarté dans ton regard,
la nuit ne sera plus
qu’une ombre dans tes yeux.

De la douleur du combat, la lumière demeure victorieuse.

Vers toi
ô ciel
s’élève
ma prière
pitié
éternelle
à lui
à la mer
que j’emporte dans mon corps.

Sa prière si touchante, car tellement humaine et charnelle, s’adresse au ciel, à la mer, aux éléments.

La quête de la Voie, la Lumière, la Beauté, c’est un  murmure, en marge ou entre les lignes.

Les tristesses
de l’été
enterre-les
dans la colline …

La quête de l’Etre Aimé, poésie de l’effleurement, plus forte que l’absence, l’impalpable plus réel que la matérialité :

Tu passes
tel un souffle
à travers moi
tu me glisses
dans ton regard
je fais fleurir l’oléandre

Dans l’air brûlant
aucun souffle ne remue la solitude
j’écoute le silence
… la mélancolie sous ma fenêtre

Est-ce donc le long silence, qui prépare la Nature à toutes les naissances ?

Au ventre
de la montagne
parle
le silence
comme au désert

L’auteur nous invite à la beauté des paroles, à la lenteur du temps :

Ne dis jamais
adieu aux paroles
laisse-leur
le temps
de se reposer en toi
l’amour s’épanouit
dans
le silence 

Cette lenteur du silence, avec elle, devient berceau de l’amour

…  j’ai soulevé ton fardeau
tu grandis maintenant au creux de ma douceur
Ne reviens pas sur tes pas
suis ta Voie
on se trouvera au carrefour
dans le Souffle de la rencontre.

Avec la poète un mot peut porter à lui seul, l’acte qui sauve.

Un mot
se lève sur la mer
vers le ciel étoilé
plus brillant
que l’étoile, …

Chaque mot a le goût de Renaissance, grâce à la présence intérieure.

Ton ombre
silence et nuit
c’est ma maison 

Dans
l’infini
appuyé
à la lumière
tu la tournes
vers moi .

Bientôt, ce n’est plus « un mot » qui nous transporte dans les paysages de la poésie de Sonia, mais un flocon à peine perceptible.

… Sur la crête fleurie
des nuages de lumière
glissent en moi
comme un flocon léger et silencieux.    

un jour je serai
une algue ondoyée
par des poissons dorés
dans la lumière des profondeurs,
l’orage m’emportera au bord,
émeraude du sable 

Naître, Mourir, Renaître …

Est-ce la rencontre des mémoires ?

Est-ce votre écriture aux pouvoirs particuliers ?

A vous lire, mon regard, parfois perplexe, parfois émerveillé, est devenu plus vaste d’embrasser la sensibilité d’horizons nouveaux. La chair du cœur s’est trouvée bouleversée, de forces lumineuses et d’amour de la vie.

La vie toujours recommencée,
en mémoire à Paul Valéry, « la mer, la mer, toujours recommencée ».

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Une réécriture poétique du mythe de Lilith par Nicole Hardouin

Écrit comme dans une transe, dans un langage de flammes volcaniques, lui-même un spectacle comme celui de la lave, Lilith, l’amour d’une maudite puise son inspiration au mythe de Lilith, la femme maudite, reprouvée, damnée, à l’origine de tout mal comme on voudrait bien le croire.

Nicole Hardouin refait l’image de la première femme, créée de la glaise, comme Adam, son être complémentaire. Cette Lilith qui traverse les siècles, entre légende et réalité, n’est pas fiction. Son nom est inscrit dans la Bible, dans le Livre d’Isaïe. Elle figure dans les anciens textes hébreux La Torah et le Talmud comme la première femme d’Adam, antérieure à Ève, à son antipode, rebelle, insoumise, l’égale de l ’homme.  Elle trouble l’ordre établi par la divinité, quitte Adam qui se retrouve dans une cruelle solitude et réclame à Dieu sa partenaire. Le refus de Lilith de revenir vers lui entraîne la création d’Ève à partir d’une côte d’Adam.

Elle sera punie, chassée du Paradis, assimilée depuis à la dépravation,  symbole de la féminité noire, diablesse de l’enfer, attachée à Satan, incarnation du mal. En psychanalyse, elle serait la partie ténébreuse, instinctuelle, de notre psyché,  l’inconscient mystérieux et insondable. En astrologie, elle est associée à la lune noire.

Dans sa représentation du mythe, Nicole Hardouin fait référence à tous les symboles de la femme maudite, séductrice qui fait brûler le mâle de passion, le mène à la déraison.

Dès le début de ce recueil de proso-poèmes, la voix lyrique est celle de Lilith à laquelle s’identifie la poète, se revendiquant ainsi de sa nature  rebelle, insoumise, séduisante, provocatrice, indépendante, libre de jouir, l’égale de  l’homme :

« Désirée, désirante, inconnue, reconnue, femme-salamandre qui attise, défie, obsède, émerveille.

 Imaginée, respirée, envisagée dévisagée, déesse-mère, première-femme, n’étant pas née d’une côte, comme celle qui m’a succédée.

 Je ne dois rien à Adam. »

Voilà le portrait de la ténébreuse Lilith, très dense, repris image par image dans les autres poèmes, dans un rythme syncopé, au souffle brûlant comme le feu des entrailles de la femme. Elle affirme donc sa totale liberté dans sa relation avec Adam, en même temps que son pouvoir, son règne sur l’homme de tous les temps, malgré sa mauvaise réputation. C’est comme une sorte de part manquante du mâle qu’il cherche pour assouvir ses instincts primaires.

Puis s’ensuit dans une architecture lyrique cohérente, habilement orchestrée, tel un spectacle, le récit de Lilith dès sa gestion dans l’avant-temps du chaos originaire, avec le cortège des maux que l’on lui attribue, même si ce n’est pas de sa faute.

La perspective sur le mythe tourne au réquisitoire. Et c’est ainsi que le récit de la perversion de Lilith se fait accusation, devient combat de la femme qui se défend contre l’homme, responsable de tous les maux, l’un plus atroce que l’autre : guerres, exterminations, agressions, viols, perversités, exclusions, tortures etc. Elle n’a rien fait de tout cela, son seul mal était son désir de jouir des délices de l’amour sans brides, comme l’homme.

On s’imagine à quel point les féministes du XX-e siècle se sont réjouies de découvrir un tel archétype de femme pour revendiquer leur liberté, indépendance, sexualité.

Le récit de Lilith commence par la Genèse : l’avant-temps et les ténèbres matricielles, le magma où était enroulée la première femme à naître de la glaise : « Le magma ondule, s’échappe en langues voraces, délire dans la nasse de remous » ;  la « fragmentation de l’indivisible », le combat entre les ténèbres et la lumière, la séparation du feu de l’eau, le déchaînement des eaux primordiales, « ivres de cette liberté inconnue » ; la gestation et le mystère du surgissement : « Je suis tapie dans le souffle dont tout est issu » ; « Déesse triomphante à la féminité tellurique, j’emplis l’espace. Nue au milieu des roseaux. Libre dans les spasmes de l’eau, je porte la voix rebelle de tous les désirs inassouvis. »

Vient ensuite sa fuite, son exil, sa dépravation, le refus de revenir, son désenchantement, sa punition, le vide, autant de scènes d’un parcours existentiel sous le regard interrogatif de la femme qui revoit sa vie, connaît son secret, confesse de s’être vengé contre Ève, sa rivale, à l’aide du serpent.

Histoire d’amour maléfique, de délire passionnel, de vengeance, voilà le premier aspect du mythe réécrit par Nicole Hardouin dans une « prose néo-baroque » selon Claude Luezior, écrivain et critique suisse réputé.

La femme-sorcière, maudite, est vue au travers des vieux textes hébreux qui conservent ses traces: Kabbale, Livre de la Splendeur, Le Cantique des cantiques,  Job, Isaïe.  Lilith prend la voix de celle qui connaît l’évolution de l’humanité au fil du temps et s’en prend aux Pères de l’Église pour leur « gommage » de la Bible et avoir fait de Lilith l’incarnation du mal.

La voix de la poète, inspirée par les sources reconnues, s’y fait entendre superposée à celle de Lilith, déesse régnant dans son univers, mais refusant la procréation exigée par Adam. Elle s’enfuit, faisant de lui un « homme-dépossédé », car il a goûté de ses voluptés et ne les a pas oubliées.

Cette femme qui a cassé les interdits, a joui des délires de la sensualité, de « l’amour comme les éclairs »,  est consciente de son pouvoir de vie et de mort sur l’homme, c’est sa vengeance: « J’habite l’équinoxe de leurs songes, la nacre de leur épanchements. Feu des chemins de traverse, j’incendie leur marée. // Ils implorent mes houles, gîte de la déraison. »

Cependant, désenchantée, elle reconnaît ce qui lui manque, l’amour qu’elle n’a jamais connu. C’est sa véritable punition, découverte après l’exclusion du Paradis.

Par l’intermédiaire de la Lilith mythique la poète s’interroge sans cesse sur la condition de la femme, sur le mal dont on l’accuse et son devenir, mais aussi sur la dégradation du premier homme par ses successeurs au fil du temps. Elle met en balance son mal érotique, son désir de satisfaire ses délires, et tous les maux horribles de l’homme, descendant d’Adam, dans la lignée de Caïn : guerres, égorgements, tortures, perversités, exclusions, lapidations etc. Même si l’homme se redécouvre, il ne peut pas oublier Lilith, elle règne encore sur lui, provoquant ses instincts primaires, mais sa folie meurtrière n’est pas de sa faute.

La reprise du vieux mythe est pour Nicole Hardouin un moyen de s’interroger sur l’Histoire même de l’humanité avec ses tragédies et les relations homme-femme. L’affranchissement de la femme des tabous a duré des siècles, son image d’égale d’Adam étant éradiquée des écritures.

Lilith, l’amour d’une maudite est un livre superbe à lire à bout de souffle, à sentir le feu et l’orage du langage poétique, la beauté sauvage des images, sa tension, ses phrases éclatantes telles les flammes. Mais aussi à réfléchir à l’actualité du mythe.

Belle oeuvre poétique, ce livre de Nicole Hardouin, une orchestration habile d’images et de couleurs où rôdent les interrogations existentielles. Un « livre flamboyant » sous une « plume de feu », comme le remarque si bien Alain Duault dans sa belle préface.

Sur la fine couverture du recueil, le tableau Magnétisme de Colette Klein, poète et peintre prestigieux, va à merveille avec la virtuosité poétique de Nicole Hardouin dans la représentation contemporaine du mythe de Lilith. Auteure, préfacier et peintre, voilà un tryptique artistique remarquable.

 

 

Nicole Hardouin, Lilith, l’amour d’une maudite, Librairie Racine, Paris, 2020, 75 p., 15 euros.

 

 

 

Les « Poèmes du chagrin » de Philippe Leuckx : une poésie élégiaque

Philippe Leuckx, Poèmes du chagrin, Éditions Le Coudrier, 2020, 107 p., 18 €.

Un nouveau livre de Philippe Leuckx, Poèmes du chagrin, vient de paraître par les soins des Éditions Le Coudrier, avec un avant-lire de Jean-Michel Aubevert qui nous fait comprendre de quel chagrin sont issus les poèmes réunis dans ce recueil : « On ne saurait sonder la tristesse de la perte, la désertification que produit le deuil. »

Un recueil de poèmes qui touchent de près par la profonde solitude et mélancolie de l’homme face à l’absence de celle qui était présence et joie du coeur, face au vide de la perte de la femme aimée : « Je reste sur le bord esseulé comme une pierre ».

Que reste-t-il d’une vie à deux ? Seuls les souvenirs à enlever à la mémoire affective dans ses heures d’ombres et de doute, de chagrin, « de solitude de soufre qui te perce la peau comme une blessure sans plaie ». L’absence, « nuit qui griffe le coeur », vide du coeur au rythme déréglé qui te rend « empêtré et poisseux », rejette sans cesse dans  l’ombre de la mémoire qui restitue par bribes les souvenirs des lieux d’autrefois où l’on était ensemble.

Le poète vit un immense chagrin et l’esseulement, « se sent inerte ». Il plonge en soi-même où il retrouve celle qui n’est plus, les images heureuses de leurs périples ou celles du temps de sa maladie. Entre lui et le monde s’interpose un mur, la lumière, la vie en dehors de sa maison, où il reste captif  « d’un noir chagrin ».

La maison n’est que silence, « un étrange bloc de silence »,  refuge, mémoire et souffrance. Le poète doit s’habituer à affronter sa solitude, « à n’entendre que son pas », à ne pas sombrer dans la mélancolie, à « inventer la caresse », « à vivre au-dessus de tes forces », avec parfois une silhouette de brume, tel un fantôme à sa fenêtre.

Cependant, contre sa volonté, la douceur de la vie au jardin, avec la beauté des roses et le chant des oiseaux, lui procurent un peu de joie et ne cesse de l’exhorter à s’affranchir du chagrin, si bien qu’il s’étonne de survivre à la perte : « Il faudrait ramener à soi / la légère houle du vent/ percer le chagrin/ rameuter ce peu de joie/ qui ourle les  lointains. »

D’autre part, il trouve une sorte de consolation dans les mots à remplir le vide, à retenir les traces de ce qui était avant et qui n’est plus, si pâles et fragiles qu’ils puissent être.

La voix élégiaque du poète tisse des poèmes graves, mélancoliques, autant d’images du chagrin et de la solitude. Le poète se souvient des séquences heureuses du passé, observe le quotidien et se scrute lui-même et son devenir, accablé de chagrin et de mélancolie, conscient que « pleurer n’apaise/ pas le coeur ».  Le jeu pronominal (je du solitaire, nous du couple, elle de la femme perdue) et temporel (verbes au passé, présent, futur) témoigne d’une existence heureuse à deux, brusquement atteinte par la maladie et la mort, d’un avant et après la perte. Le passé évoque des souvenirs, le présent est celui du deuil, de la solitude et du chagrin, le futur celui de son devenir : rester captif du chagrin ou s’ouvrir vers le monde. Il y a même un futur antérieur, rappelant un projet de couple, brisé par la mort de la femme.

La vie semble avoir perdu de sens en l’absence de l’autre : « Dans l’entre-deux de nos vies devenues mutiques, l’indécise absence », « la vie s’étage sans vie ».  

Il y a aussi dans ce livre émouvant la mémoire des photos insérées pour retrouver le visage réel de la femme perdue : seule ou en groupe, un souvenir  du dernier voyage italien du couple dont parle aussi un poème.  Quand la mémoire du vécu pâlit, il nous reste la photo pour rappeler l’instant d’autrefois qui n’est plus.

Le deuil est chagrin et solitude, mais pour un poète il pourrait être créateur s’il trouvait en lui la force se s’arracher à la mélancolie noire,  comme c’est bien le cas de Philippe Leuckx.

 

 

Par Sonia Elvireanu, , publié le 26/07/2020 | Comments (0)
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