Les classiques font toujours accourir le public d’Avignon, surtout quand ils sont modernisés comme ici. Trois exemples très différents de la manière dont on peut s’y prendre pour rendre les pièces du répertoire plus accessibles au public d’aujourd’hui.
Le Tartuffe nouveau de Jean-Pierre Pelaez
Gérard Gelas est le directeur du théâtre du Chêne noir en Avignon. Il est metteur en scène et auteur. Pour la petite histoire, c’est sa première pièce, La Paillasse aux seins nus, qui mit le feu au festival en 1968. Non pas directement la pièce elle-même mais le fait qu’elle ait été interdite par le préfet du Gard (elle devait en effet se jouer de l’autre côté du Rhône, à Villeneuve). Aujourd’hui, il crée une pièce de Jean-Pierre Pelaez, Le Tartuffe nouveau, une réécriture du Tartuffe de Molière, en alexandrins, nouvelle non par l’intrigue mais par la transposition dans le monde d’aujourd’hui. Tartuffe est médecin, il fait dans le charity business, il intrigue pour devenir ministre, Marianne et Valère sont étudiants, Damis est apprenti journaliste. Dorine, la bonne colombienne, est arrivée en France à la suite d’Orgon, diplomate. Ces noms que nous gardons par habitude ont été modernisés eux aussi. Il n’y a plus Damis ni Valère mais Vincent et Patrice. Dorine est Consuelo (et s’exprime avec un accent espagnol à couper au couteau pas toujours compréhensible). Quant à Monsieur Tartuffe, il est devenu Monsieur Krüger. Et il n’est pas difficile, avec un nom pareil, quand on ajoute le charity business et l’avenir de ministre, de deviner quel personnage réel de notre Ve République l’auteur avait en tête !
Seule variante notable par rapport à l’intrigue de Molière, Krüger s’avère un séducteur plus convaincant que Tartuffe, au point qu’Elmire (Irène) s’y est laissé prendre. La mise en scène insiste sur ce point en habillant le seul Krüger d’un costume (blanc) moderne, les autres étant vêtus à la mode du Grand Siècle et Orgon (Damien) d’un pourpoint et de hauts de chausse surchargés de dentelles qui accentuent le côté comique.
Car la pièce est très drôle. Et l’on a plaisir à écouter des alexandrins qui coulent sans aucune difficulté. On regrette malgré tout que des scènes qui ont inspiré à Molière certains de ses plus beaux vers, comme la scène de la dispute entre Marianne et Valère ou celle de la tentative de séduction d’Elmire par Tartuffe, aient disparu de cette version modernisée. Quoi qu’il en soit, on peut croire que la langue française est faite pour l’alexandrin (à moins que ce ne soit l’inverse) car l’on a senti les comédiens très à l’aise dans cette forme que l’on croirait à tort surannée. Une mention spéciale pour François Boyard en Orgon dont il fait une caricature particulièrement réjouissante.
Il faut qu’une porte soit ouverte ou fermée
Un « Proverbe » : une comédie à deux personnages, trop brève pour faire à elle seule l’objet d’un spectacle. Isabelle Andréani a eu l’idée de lui adjoindre un prologue « pédagogique », non pour expliquer la pièce – qui ne le réclame pas – mais pour présenter Musset aux spectateurs. Il plaira même à ceux qui n’en apprendront rien, tant il est habilement construit et joué. Nous sommes dans le grenier du domicile de Musset, sa bonne et son cocher nouvellement engagé cherchent les harnais pour atteler la voiture du maître. Un maître dont ils sont tous les deux entichés au point de connaître par cœur certains de ses poèmes. Dans une cassette se trouvent de vieilles lettres parmi lesquelles l’échange de lettres codées (apocryphes) entre George Sand et Musset au contenu nettement pornographique. Le-dit échange se clôt sur deux vers de G. Sand (« Cette insigne faveur que votre cœur réclame / Nuit à ma renommée et répugne à mon âme ») dont il faut seulement retenir les deux premiers mots, « Cette nuit » : c’est dès cette nuit-là que Sand est prête à se donner à Musset…
Découvrant qu’ils connaissent tous les deux par cœur Il faut qu’une porte soit ouverte ou fermée, nos deux protagonistes décident de le jouer. Alors commence la pièce dans la pièce. C’est un badinage amoureux qui mérite d’être (ré)entendu. La marquise se moque allègrement du comte qui essaye de faire sa déclaration ; impitoyable, elle souligne la pauvreté et la banalité des mots que les hommes trouvent à dire aux femmes : « dans ces tristes instants où vous tâchez de mentir pour essayer de plaire, vous vous ressemblez tous comme des capucins de cartes ». Le comte, d’abord assommé par cette vindicte, finit par se rapatrier, faisant valoir « que [si ]l’amour est immortellement jeune, […] les façons de l’exprimer sont et demeureront éternellement vieilles ».
On prend beaucoup de plaisir à regarder jouer I. Adréani et son partenaire Xavier Lemaire. Ils instaurent un sentiment de décalage troublant dû au fait qu’ils endossent le rôle de la marquise et du comte alors que nous les connaissons comme la bonne et le cocher dont ils ont d’ailleurs gardé la tenue : ils parviennent à se rendre crédibles dans leurs personnages de nobles tout en demeurant dans notre esprit les domestiques du début de la pièce. Sans doute cela n’est-il pas pour rien dans le succès de cette pièce qui ne se démentit pas puisqu’elle a dépassé les 400 représentations !
Oreste aime Hermione qui aime Pyrrhus qui aime Andromaque qui aime Hector qui est mort
Nelson-Rafaell Madel et Paul Nguyen, deux comédiens du collectif La Palmera (1), assistés par Néry pour la mise en scène, présentent une version réduite d’Andromaque précédée d’un prologue explicatif de leur crû, très ludique, à grand renfort de baudruches qui figurent les combattants de la guerre de Troie et les principaux protagonistes de la tragédie de Racine. Quand on ne dispose ni du temps ni de la distribution nécessaires pour jouer la pièce de Racine dans son intégralité, il n’est certainement pas inutile d’expliquer aux spectateurs ce que l’on va leur montrer.
Les deux comédiens donnent ensuite les principales scènes, les principales tirades de la pièce, suffisamment en tout cas pour que nous voyions la tragédie se nouer autour, d’une part, d’Hermione qui veut utiliser Oreste pour venger l’affront de Pyrrhus qui lui préfère Andromaque, et, d’autre part, d’Andromaque qui finira par céder aux avances de Pyrrhus pour sauver Astyanax, le fils qu’elle a eu d’Hector. Si la pièce se joue sans décor, les changements de costume aident à identifier les personnages : beaux vêtements à l’antique que les comédiens endossent (comme le manteau royal) ou qu’ils confectionnent eux-mêmes avec des morceaux de tissus. Une maigre lumière crée l’illusion nécessaire pour rendre crédibles les personnages féminins interprétés par des hommes. Les vers souvent sublimes de Racine prennent une saveur particulière qui tient sans doute en partie au trouble que provoque les travestissements des deux garçons qui en Andromaque, qui en Hermione.
(1) Deux jeunes comédiens déjà remarqués dans P’tite Souillure de Koffy Kwahulé. Cf. http://www.criticalstages.org/ptite-souillure-comdie-sacre/
